L’ONJ et le docteur Mabuse (2ème partie)
Selon un rituel bien établi au cinéma le Balzac, son directeur Jean-Jacques Schpoliansky vient dire un petit mot d’accueil à son public, défendre son programme avec cette ferveur pleine d’humour qui fait partie du charme du Balzac, puis cède la place à Daniel Yvinec, directeur artistique de l’ONJ (Orchestre national de jazz) venu présenter cette deuxième partie Inferno, du Docteur Mabuse de Fritz Lang et sa musique. La semaine dernière, pour la première partie Le Joueur, une moitié d’ONJ avait totalement improvisé devant l’écran une BO électrique sous le titre Electric Mabuse, qui n’a pas été sans susciter quelques lettres de protestation adressées au Balzac. Cette semaine, l’autre moitié de l’ONJ, présentait une BO acoustique, non sans avoir pris quelques repères dans le film…
Cinéma le Balzac, Paris (75), le 5 février 2013.
Docteur Mabuse, le Joueur (2ème partie : Inferno, une pièce sur les hommes de ce temps), film de Fritz Lang (1922).
Acoustic Mabuse, musique improvisée en direct devant les images du film par les membres de l’Orchestre national de jazz : Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Rémi Dumoulin (sax ténor, clarinettes), Antoni-Ti Hoang (saxophone alto, clarinettes), Eve Risser (piano, piano préparé), Yoann Serra (batterie).
Ce qui distingue la seconde partie de cette « pièce sur les hommes de ce temps », c’est justement le moindre ancrage dans son époque. Alors que Le Joueur montrait l’ascension d’un dictateur manipulant l’économie et les hommes, Inferno se présente plus comme un film policier avec son classique trio délinquant-victime-justicier, le délinquant étant promis à la chute. Ce qui rend plus conventionnelle la BO improvisée pour cette seconde partie, c’est sa nature acoustique et sa construction plus classique. Et l’on se demande si la différence de nature entre les deux BO n’est pas pour quelque chose dans cette différence de perception entre les deux parties du film, la première musique ayant souligné, par son caractère tout à la fois mécanique, inexorable et insensé – qui suscita la protestation –, le caractère menaçant de l’avènement du monde moderne dans l’après-apocalypse des années 20, plus particulièrement dans l’Allemagne pré-nazie.
Ce qui distingue cette seconde partie tient aussi à la présence de Rémi Dumoulin, grand cinéphile, qui a l’habitude de prendre à bras le corps ces ciné-concerts de l’ONJ lorsqu’il y participe. Pas de musique écrite, certes, tout juste un motif prévu pour le générique, mais un travail d’anticipation par un repérage préalable des différentes scènes qu’il a partagé avec ses comparses. Du coup, la musique éclaire le film d’une façon différente. Alors qu’ Electric Mabuse constituait un fil conducteur qui tirait le film en une perpétuelle fuite en avant, Acoustic Mabuse accompagne plus l’action, ses séquences, ses pauses, ses rebonds, comme une espèce de fond orchestral, harmonique et rythmique respectant l’action, les situations et les actions portées à l’image, avec une double dimension motivique et bruitiste restituant les deux tiers de ce qui constitue la bande son d’un film sonore – la musique et les bruits –, mais prenant parfois même en charge la partie dialoguée par la diffusion – en contrepoint des cartons, ou plus précisément en creux par rapport au caractère elliptique des cartons –, de faux dialogues et de clameurs. On rendra néanmoins justice à cet Acoustic Mabuse de garder la distance d’avec l’image et de ne pas l’accompagner plan par plan, mais de se projeter, comme en arche par-dessus plusieurs séquences, offrant un redécoupage dramatique qui renforce la cohésion de ce film procédant par séries de mouvements qui vont et viennent entre plusieurs actions simultanées en des lieux distincts.
L’autre différence avec Electric Mabuse, au moins pour le jazz critic qui reste conscient tout au long du film qu’il rédigera un compte rendu à l’issue de la projection, c’est l’identification des musiciens, non seulement par l’identification des sources sonores (une trompette, un saxophone, une clarinette, etc.), mais par la résurgence, même embryonnaire, de la notion de solo à travers quelques fulgurances très identifiables ici et là, dont l’absence il y a une semaine contribuait au caractère “techno” de la musique. Identification « au moins pour le jazz critic »… Voilà qui pose le problème de l’appréciation de l’exercice. Qui peut se faire juge d’une musique de film ? Celui qui l’écoute, la décortique, l’analyse et donc l’isole de l’image à laquelle elle est associée, certes pour mieux rendre compte de sa fonction. Ou celui qui ne l’écoute pas, en perd conscience et ne l’entend que comme une sorte de sudation sonore du film ?
Franck Bergerot
Ce soir 6 février, l’ONJ donne son programme Piazzolla à Sceaux, aux Gémeaux… à guichets fermés. Le 9, il sera à Perpignan au Théâtre de l’Archipel pour Round Robert Wyatt, le 14 à Lorient au Théâtre pour Shut Up and Dance et le 15,
en petit comité, à Guyancourt pour sa “Dixcover” d’après “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd.
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Selon un rituel bien établi au cinéma le Balzac, son directeur Jean-Jacques Schpoliansky vient dire un petit mot d’accueil à son public, défendre son programme avec cette ferveur pleine d’humour qui fait partie du charme du Balzac, puis cède la place à Daniel Yvinec, directeur artistique de l’ONJ (Orchestre national de jazz) venu présenter cette deuxième partie Inferno, du Docteur Mabuse de Fritz Lang et sa musique. La semaine dernière, pour la première partie Le Joueur, une moitié d’ONJ avait totalement improvisé devant l’écran une BO électrique sous le titre Electric Mabuse, qui n’a pas été sans susciter quelques lettres de protestation adressées au Balzac. Cette semaine, l’autre moitié de l’ONJ, présentait une BO acoustique, non sans avoir pris quelques repères dans le film…
Cinéma le Balzac, Paris (75), le 5 février 2013.
Docteur Mabuse, le Joueur (2ème partie : Inferno, une pièce sur les hommes de ce temps), film de Fritz Lang (1922).
Acoustic Mabuse, musique improvisée en direct devant les images du film par les membres de l’Orchestre national de jazz : Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Rémi Dumoulin (sax ténor, clarinettes), Antoni-Ti Hoang (saxophone alto, clarinettes), Eve Risser (piano, piano préparé), Yoann Serra (batterie).
Ce qui distingue la seconde partie de cette « pièce sur les hommes de ce temps », c’est justement le moindre ancrage dans son époque. Alors que Le Joueur montrait l’ascension d’un dictateur manipulant l’économie et les hommes, Inferno se présente plus comme un film policier avec son classique trio délinquant-victime-justicier, le délinquant étant promis à la chute. Ce qui rend plus conventionnelle la BO improvisée pour cette seconde partie, c’est sa nature acoustique et sa construction plus classique. Et l’on se demande si la différence de nature entre les deux BO n’est pas pour quelque chose dans cette différence de perception entre les deux parties du film, la première musique ayant souligné, par son caractère tout à la fois mécanique, inexorable et insensé – qui suscita la protestation –, le caractère menaçant de l’avènement du monde moderne dans l’après-apocalypse des années 20, plus particulièrement dans l’Allemagne pré-nazie.
Ce qui distingue cette seconde partie tient aussi à la présence de Rémi Dumoulin, grand cinéphile, qui a l’habitude de prendre à bras le corps ces ciné-concerts de l’ONJ lorsqu’il y participe. Pas de musique écrite, certes, tout juste un motif prévu pour le générique, mais un travail d’anticipation par un repérage préalable des différentes scènes qu’il a partagé avec ses comparses. Du coup, la musique éclaire le film d’une façon différente. Alors qu’ Electric Mabuse constituait un fil conducteur qui tirait le film en une perpétuelle fuite en avant, Acoustic Mabuse accompagne plus l’action, ses séquences, ses pauses, ses rebonds, comme une espèce de fond orchestral, harmonique et rythmique respectant l’action, les situations et les actions portées à l’image, avec une double dimension motivique et bruitiste restituant les deux tiers de ce qui constitue la bande son d’un film sonore – la musique et les bruits –, mais prenant parfois même en charge la partie dialoguée par la diffusion – en contrepoint des cartons, ou plus précisément en creux par rapport au caractère elliptique des cartons –, de faux dialogues et de clameurs. On rendra néanmoins justice à cet Acoustic Mabuse de garder la distance d’avec l’image et de ne pas l’accompagner plan par plan, mais de se projeter, comme en arche par-dessus plusieurs séquences, offrant un redécoupage dramatique qui renforce la cohésion de ce film procédant par séries de mouvements qui vont et viennent entre plusieurs actions simultanées en des lieux distincts.
L’autre différence avec Electric Mabuse, au moins pour le jazz critic qui reste conscient tout au long du film qu’il rédigera un compte rendu à l’issue de la projection, c’est l’identification des musiciens, non seulement par l’identification des sources sonores (une trompette, un saxophone, une clarinette, etc.), mais par la résurgence, même embryonnaire, de la notion de solo à travers quelques fulgurances très identifiables ici et là, dont l’absence il y a une semaine contribuait au caractère “techno” de la musique. Identification « au moins pour le jazz critic »… Voilà qui pose le problème de l’appréciation de l’exercice. Qui peut se faire juge d’une musique de film ? Celui qui l’écoute, la décortique, l’analyse et donc l’isole de l’image à laquelle elle est associée, certes pour mieux rendre compte de sa fonction. Ou celui qui ne l’écoute pas, en perd conscience et ne l’entend que comme une sorte de sudation sonore du film ?
Franck Bergerot
Ce soir 6 février, l’ONJ donne son programme Piazzolla à Sceaux, aux Gémeaux… à guichets fermés. Le 9, il sera à Perpignan au Théâtre de l’Archipel pour Round Robert Wyatt, le 14 à Lorient au Théâtre pour Shut Up and Dance et le 15,
en petit comité, à Guyancourt pour sa “Dixcover” d’après “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd.
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Selon un rituel bien établi au cinéma le Balzac, son directeur Jean-Jacques Schpoliansky vient dire un petit mot d’accueil à son public, défendre son programme avec cette ferveur pleine d’humour qui fait partie du charme du Balzac, puis cède la place à Daniel Yvinec, directeur artistique de l’ONJ (Orchestre national de jazz) venu présenter cette deuxième partie Inferno, du Docteur Mabuse de Fritz Lang et sa musique. La semaine dernière, pour la première partie Le Joueur, une moitié d’ONJ avait totalement improvisé devant l’écran une BO électrique sous le titre Electric Mabuse, qui n’a pas été sans susciter quelques lettres de protestation adressées au Balzac. Cette semaine, l’autre moitié de l’ONJ, présentait une BO acoustique, non sans avoir pris quelques repères dans le film…
Cinéma le Balzac, Paris (75), le 5 février 2013.
Docteur Mabuse, le Joueur (2ème partie : Inferno, une pièce sur les hommes de ce temps), film de Fritz Lang (1922).
Acoustic Mabuse, musique improvisée en direct devant les images du film par les membres de l’Orchestre national de jazz : Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Rémi Dumoulin (sax ténor, clarinettes), Antoni-Ti Hoang (saxophone alto, clarinettes), Eve Risser (piano, piano préparé), Yoann Serra (batterie).
Ce qui distingue la seconde partie de cette « pièce sur les hommes de ce temps », c’est justement le moindre ancrage dans son époque. Alors que Le Joueur montrait l’ascension d’un dictateur manipulant l’économie et les hommes, Inferno se présente plus comme un film policier avec son classique trio délinquant-victime-justicier, le délinquant étant promis à la chute. Ce qui rend plus conventionnelle la BO improvisée pour cette seconde partie, c’est sa nature acoustique et sa construction plus classique. Et l’on se demande si la différence de nature entre les deux BO n’est pas pour quelque chose dans cette différence de perception entre les deux parties du film, la première musique ayant souligné, par son caractère tout à la fois mécanique, inexorable et insensé – qui suscita la protestation –, le caractère menaçant de l’avènement du monde moderne dans l’après-apocalypse des années 20, plus particulièrement dans l’Allemagne pré-nazie.
Ce qui distingue cette seconde partie tient aussi à la présence de Rémi Dumoulin, grand cinéphile, qui a l’habitude de prendre à bras le corps ces ciné-concerts de l’ONJ lorsqu’il y participe. Pas de musique écrite, certes, tout juste un motif prévu pour le générique, mais un travail d’anticipation par un repérage préalable des différentes scènes qu’il a partagé avec ses comparses. Du coup, la musique éclaire le film d’une façon différente. Alors qu’ Electric Mabuse constituait un fil conducteur qui tirait le film en une perpétuelle fuite en avant, Acoustic Mabuse accompagne plus l’action, ses séquences, ses pauses, ses rebonds, comme une espèce de fond orchestral, harmonique et rythmique respectant l’action, les situations et les actions portées à l’image, avec une double dimension motivique et bruitiste restituant les deux tiers de ce qui constitue la bande son d’un film sonore – la musique et les bruits –, mais prenant parfois même en charge la partie dialoguée par la diffusion – en contrepoint des cartons, ou plus précisément en creux par rapport au caractère elliptique des cartons –, de faux dialogues et de clameurs. On rendra néanmoins justice à cet Acoustic Mabuse de garder la distance d’avec l’image et de ne pas l’accompagner plan par plan, mais de se projeter, comme en arche par-dessus plusieurs séquences, offrant un redécoupage dramatique qui renforce la cohésion de ce film procédant par séries de mouvements qui vont et viennent entre plusieurs actions simultanées en des lieux distincts.
L’autre différence avec Electric Mabuse, au moins pour le jazz critic qui reste conscient tout au long du film qu’il rédigera un compte rendu à l’issue de la projection, c’est l’identification des musiciens, non seulement par l’identification des sources sonores (une trompette, un saxophone, une clarinette, etc.), mais par la résurgence, même embryonnaire, de la notion de solo à travers quelques fulgurances très identifiables ici et là, dont l’absence il y a une semaine contribuait au caractère “techno” de la musique. Identification « au moins pour le jazz critic »… Voilà qui pose le problème de l’appréciation de l’exercice. Qui peut se faire juge d’une musique de film ? Celui qui l’écoute, la décortique, l’analyse et donc l’isole de l’image à laquelle elle est associée, certes pour mieux rendre compte de sa fonction. Ou celui qui ne l’écoute pas, en perd conscience et ne l’entend que comme une sorte de sudation sonore du film ?
Franck Bergerot
Ce soir 6 février, l’ONJ donne son programme Piazzolla à Sceaux, aux Gémeaux… à guichets fermés. Le 9, il sera à Perpignan au Théâtre de l’Archipel pour Round Robert Wyatt, le 14 à Lorient au Théâtre pour Shut Up and Dance et le 15,
en petit comité, à Guyancourt pour sa “Dixcover” d’après “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd.
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Selon un rituel bien établi au cinéma le Balzac, son directeur Jean-Jacques Schpoliansky vient dire un petit mot d’accueil à son public, défendre son programme avec cette ferveur pleine d’humour qui fait partie du charme du Balzac, puis cède la place à Daniel Yvinec, directeur artistique de l’ONJ (Orchestre national de jazz) venu présenter cette deuxième partie Inferno, du Docteur Mabuse de Fritz Lang et sa musique. La semaine dernière, pour la première partie Le Joueur, une moitié d’ONJ avait totalement improvisé devant l’écran une BO électrique sous le titre Electric Mabuse, qui n’a pas été sans susciter quelques lettres de protestation adressées au Balzac. Cette semaine, l’autre moitié de l’ONJ, présentait une BO acoustique, non sans avoir pris quelques repères dans le film…
Cinéma le Balzac, Paris (75), le 5 février 2013.
Docteur Mabuse, le Joueur (2ème partie : Inferno, une pièce sur les hommes de ce temps), film de Fritz Lang (1922).
Acoustic Mabuse, musique improvisée en direct devant les images du film par les membres de l’Orchestre national de jazz : Sylvain Bardiau (trompette, bugle), Rémi Dumoulin (sax ténor, clarinettes), Antoni-Ti Hoang (saxophone alto, clarinettes), Eve Risser (piano, piano préparé), Yoann Serra (batterie).
Ce qui distingue la seconde partie de cette « pièce sur les hommes de ce temps », c’est justement le moindre ancrage dans son époque. Alors que Le Joueur montrait l’ascension d’un dictateur manipulant l’économie et les hommes, Inferno se présente plus comme un film policier avec son classique trio délinquant-victime-justicier, le délinquant étant promis à la chute. Ce qui rend plus conventionnelle la BO improvisée pour cette seconde partie, c’est sa nature acoustique et sa construction plus classique. Et l’on se demande si la différence de nature entre les deux BO n’est pas pour quelque chose dans cette différence de perception entre les deux parties du film, la première musique ayant souligné, par son caractère tout à la fois mécanique, inexorable et insensé – qui suscita la protestation –, le caractère menaçant de l’avènement du monde moderne dans l’après-apocalypse des années 20, plus particulièrement dans l’Allemagne pré-nazie.
Ce qui distingue cette seconde partie tient aussi à la présence de Rémi Dumoulin, grand cinéphile, qui a l’habitude de prendre à bras le corps ces ciné-concerts de l’ONJ lorsqu’il y participe. Pas de musique écrite, certes, tout juste un motif prévu pour le générique, mais un travail d’anticipation par un repérage préalable des différentes scènes qu’il a partagé avec ses comparses. Du coup, la musique éclaire le film d’une façon différente. Alors qu’ Electric Mabuse constituait un fil conducteur qui tirait le film en une perpétuelle fuite en avant, Acoustic Mabuse accompagne plus l’action, ses séquences, ses pauses, ses rebonds, comme une espèce de fond orchestral, harmonique et rythmique respectant l’action, les situations et les actions portées à l’image, avec une double dimension motivique et bruitiste restituant les deux tiers de ce qui constitue la bande son d’un film sonore – la musique et les bruits –, mais prenant parfois même en charge la partie dialoguée par la diffusion – en contrepoint des cartons, ou plus précisément en creux par rapport au caractère elliptique des cartons –, de faux dialogues et de clameurs. On rendra néanmoins justice à cet Acoustic Mabuse de garder la distance d’avec l’image et de ne pas l’accompagner plan par plan, mais de se projeter, comme en arche par-dessus plusieurs séquences, offrant un redécoupage dramatique qui renforce la cohésion de ce film procédant par séries de mouvements qui vont et viennent entre plusieurs actions simultanées en des lieux distincts.
L’autre différence avec Electric Mabuse, au moins pour le jazz critic qui reste conscient tout au long du film qu’il rédigera un compte rendu à l’issue de la projection, c’est l’identification des musiciens, non seulement par l’identification des sources sonores (une trompette, un saxophone, une clarinette, etc.), mais par la résurgence, même embryonnaire, de la notion de solo à travers quelques fulgurances très identifiables ici et là, dont l’absence il y a une semaine contribuait au caractère “techno” de la musique. Identification « au moins pour le jazz critic »… Voilà qui pose le problème de l’appréciation de l’exercice. Qui peut se faire juge d’une musique de film ? Celui qui l’écoute, la décortique, l’analyse et donc l’isole de l’image à laquelle elle est associée, certes pour mieux rendre compte de sa fonction. Ou celui qui ne l’écoute pas, en perd conscience et ne l’entend que comme une sorte de sudation sonore du film ?
Franck Bergerot
Ce soir 6 février, l’ONJ donne son programme Piazzolla à Sceaux, aux Gémeaux… à guichets fermés. Le 9, il sera à Perpignan au Théâtre de l’Archipel pour Round Robert Wyatt, le 14 à Lorient au Théâtre pour Shut Up and Dance et le 15,
en petit comité, à Guyancourt pour sa “Dixcover” d’après “Dark Side of the Moon” de Pink Floyd.